Uno de ellos, protegido de los Medici, es Sandro Botticelli. A quien, parece ser (no tenemos confirmación histórica pero sí grandes indicios) los Medici encargan esta pintura de La Primavera a finales de los 70 del siglo XV. Sandro era en aquel entonces uno de los pintores preferidos de la familia. La obra podría haber sido un regalo de un Medici a su prometida por motivo de su boda. Una pintura que acabaría siendo considerada como una de las mejores jamás creadas. Hoy, podemos disfrutar de este maravilloso cuadro visitando la Galería Uffizi.

Nace la primavera

En una primera visión general, en la Primavera de Botticelli podemos ver a diferentes personajes que interactúan en una especie de bosque. Un bosque en flor, como si estuviese en el comienzo de la primavera.

Cada uno de estos personajes tiene un significado y una identidad muy concreta. Botticelli nos cuenta una historia, nos dice cómo nace la primavera, su eterno ciclo y su belleza.

Un rasgo característico de Botticelli y que lo diferencia de otros grandes pintores es el priorizar la belleza sobre los aspectos más técnicos. El darle más importancia a la historia representada que a la simetría, punto de fuga y otros aspectos más matemáticos de la pintura. Algo que, por ejemplo, Leonardo da Vinci llevó a niveles nunca vistos pero manteniendo la belleza.

Esto no quiere decir que Botticelli no supiese o no tuviese las capacidades para potenciar más estas cosas. Quiere decir que anteponía otras si, en su opinión, la belleza o la idea del cuadro podía verse afectada. Un ejemplo de eso es que en su Primavera, la figura que la representa está en un lateral. El centro es ocupado, precisamente, por la diosa de la belleza: Venus. Esencia de la primavera.

Cloris, Flora y la Primavera de Botticelli

A la derecha del cuadro tenemos un primer grupo de figuras. Una es masculina, azul y alada que representa a Céfiro, dios del viento del oeste, el que trae la primavera. Céfiro agarra a una figura femenina, la ninfa Cloris que, a su vez, parece como caer y chocar con la tercera figura, serena y tranquila, llena de flores: la Primavera.

Veamos lo que nos cuentan estas imágenes y sus colores formando una de las más hermosas obras de arte de Florencia y en la historia de la pintura.

Botticelli representa aquí la creación de la primavera según la mitología. Céfiro, dios del viento, ve en el bosque a la ninfa Cloris, de la cual se enamora locamente. El carácter tozudo del dios hace que al momento decida que quiere hacer de Cloris su esposa. Obsesionado, sin intentar cortejar a Cloris, intenta raptarla  ante la reacción de pánico de la ninfa.

Céfiro, al momento, viendo a la ninfa de quien se había enamorado con semejante sufrimiento, se arrepiente y siente una enorme culpa. Decide soltar a Cloris, a quien había agarrado y quería llevarse al vuelo, de nuevo en el bosque. Y para compensarla por su comportamiento, la convierte en diosa, en Flora, en la Primavera.

Por ello, en la pintura, Botticelli pinta a Cloris cayendo hacia Flora, pues representa el momento exacto en el que Céfiro la convierte en diosa y se transforma en la Primavera, en Flora.

Esta transformación puede apreciarse en el vestido de Flora, que gradualmente se está convirtiendo también en flores. De su rostro, igualmente, comienzan a salir flores.

Todo pintado con una belleza y elegancias magníficas, genialidad de Botticelli.

Cupido y las Tres Gracias

En el centro de la pintura no sólo está Venus, también su hijo, Cupido. El pequeño ángel que sobrevuela la figura de Venus con el arco cargado y los ojos vendados. Pues el amor es ciego… o no tanto. Al menos no en La Primavera de Botticelli. Pues la flecha está dirigida hacia las Tres Gracias. Tres figuras femeninas a la izquierda de la pintura.

Las Tres Gracias representan muchos valores, pero se identifican también con tres etapas de la mujer: virgen, novia y esposa. En esta escena podemos ver cómo las tres bailan. Una dirige la danza, la esposa. Otra, la sigue bajo la iniciativa de la primera, la novia. Otra, se une más tímida para aprender, la virgen.

Cupido dirige claramente su flecha hasta esta última. Una flecha, además, de punta dorada. Pues son las que provocan el enamoramiento.

Ya en un afecto previo a recibir la flecha, vemos como la tercera de las gracias no presta demasiada atención al baile y centra su mirada en la figura más a la izquierda del cuadro: el dios Mercurio.

Mercurio en la Primavera de Botticelli

A la derecha del cuadro teníamos el inicio del mito de la primavera, con Céfiro creando a Flora a través de la ninfa Cloris. Pero, ese inicio bien podría estar en Mercurio, como nos muestra Botticelli.

A la izquierda de la pintura, elegantemente absorto y apartado del resto de interacciones de este bosque tan especial, está Mercurio. Dios mensajero que, entre las nubes o llegando al Hades, va llevando mensajes de unos dioses a otros. Lo distinguimos gracias a que lleva, entre otras cosas, sus sandalias aladas características.

Mercurio está distraído del resto de personajes, centrado en sus quehaceres. Pero, sin parecerlo, son clave para que todo eso pueda suceder. Un verdadero inicio. Mercurio, con su bastón, está conteniendo las nubes que intentan entrar en el bosque. De esta forma, el buen tiempo, Flora, la primavera y su belleza (Venus) pueden ser las protagonistas de la escena.

La lectura de la pintura

Así, como una historia muy especial, podemos leer el cuadro de derecha a izquierda o viceversa. En ambos casos, la Primavera de Botticelli nos permite saborear diversos aspectos de su belleza, de los personajes y lo que nos transmiten.

Así, si empezamos la narración por la izquierda, mientras Mercurio contiene el mal tiempo, el bosque es un lugar ideal para la alegría de las Tres Gracias y la belleza (Venus). Con ellas están las Ninfas. Una de ellas llama la atención de Céfiro y, como ya hemos visto, Cloris acaba convirtiéndose en Primavera.

Podemos empezar desde la derecha. En este caso, Céfiro rapta a Cloris, se arrepiente y la convierte en Flora, surge la Primavera. Su centro es la belleza, con Venus, con ella las Tres Gracias festejan y, para hacerlo posible, Mercurio contiene las nubes.

Un Botticelli botánico

Como vemos, uno puede entrar en La Primavera de Botticelli y perderse con cada detalle, cada personaje. Y no sólo eso, todavía no hemos hablado sobre la flora (no la diosa sino las plantas y flores) de la pintura. En ella, podemos apreciar más de 150 especies diferentes. Todas autóctonas de la Toscana y Florencia.

No son flores que Sandro Botticelli se imaginó y creó pintando sino especies reales. Es más, tal era la perfección del pintor que se puede apreciar cómo las flores fueron ‘’retratadas’’ una a una por el genio.

Botticelli salió con su Primavera a los jardines florentinos y, a vista, iba representando en el lienzo cada una de las plantas para darle el mayor realismo posible.

Simonetta Vespucci, eterna con Botticelli

Simonetta Vespucci fue el gran amor de Botticelli. Su musa y amor platónico. Porque, de Simonetta a Sandro, no lo hubo. Ella fue la esposa de Marco Vespucci, de quien estaba enamorada.

Pero la joven robó el corazón a toda Florencia con su belleza, incluso a Lorenzo el Magnífico. Botticelli en muchas de sus obras, para representar el rostro de la figura femenina ideal, utilizaba el de su admirada Simonetta. Ya la dejó inmortalizada en su Venus.

Pero en ‘La Primavera’, anterior a ésta, todos los rostros femeninos parecen pertenecer al de la legendaria Simonetta. De nuevo, eterna en el arte de Sandro.

Cómo ver La Primavera de Botticelli

La pintura se encuentra en Florencia, en la Galería Uffizi. Uno de los mejores museos de Florencia y del mundo. De hecho, en él podemos disfrutar de algunas otras obras maestras de la historia del arte y del mismo Botticelli.

Para visitar los Uffizi, actualmente existen los siguientes horarios:

De martes a domingo: 8:15 – 18:30.

El precio de la entrada es de 25€, 2€ para los ciudadanos europeos entre los 18-25 años y gratis para los menores de edad.

La mejor opción para conocer La Primavera y disfrutar de todas sus obras de arte es hacerlo acompañado por un guía. ¡No lo pienses más y únete a nuestro tour para visitar los Uffizi!

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Inconfundible desde cualquier punto de Florencia, la cúpula de Brunelleschi corona el cielo de la capital Toscana y enamora al mundo desde el año 1436. La cúpula más grande del mundo.

El punto más alto de Florencia

Decir que la cúpula corona el cielo de Florencia no es un decir. Sí, se podría decir de manera romántica que es la reina del cielo florentino, porque lo es… pero también es cierto que ningún edificio la supera en altura.

En total, la cúpula de Brunelleschi se alza hasta alcanzar los 114 metros de altura. La cúpula en sí, sin contar la altura que le da la estructura de la catedral, tiene la friolera de 34 metros de altura. Además de tener 45,5 metros de ancho (55 metros si contamos también el muro). Un auténtico monstruo que ya en nuestros días cuesta imaginar que se sostenga por sí misma. Sólo un genio como Brunelleschi fue capaz de llevar a cabo algo así.

Para que ninguna otra construcción quitase protagonismo a la cúpula y a la catedral, una vez finalizada la cúpula en Florencia se creó una ley muy especial. Esta ley ordenaba que ningún edificio en el futuro podría superar la altura de la Catedral de Florencia con su cúpula. Así, Florencia se aseguraba mantener una estética y una belleza en sus líneas que eran la envidia de Italia y Europa.

Hoy, viajando a Florencia, podemos apreciar este skyline que después de siglos ha cambiado mucho. Pero no en una cosa: nada supera a la cúpula de Brunelleschi.

Cúpula de la Catedral de Florencia

La importancia que tiene esta obra maestra para nosotros no puede ni compararse ni con la que tuvo en su día. Pues la capital de la Toscana estaba, en pleno siglo XV, inmiscuida en el mayor proyecto de su historia: la construcción de su catedral.

Para Florencia, en la época pasar de no tener catedral a tener una que era uno de los edificios más bellos de toda Italia fue un salto tremendo. Y la cúpula de la Catedral de Florencia, que superaba toda expectativa y limitación creativa, puso a Florencia en el centro de la atención de todos los artistas y personajes influyentes.

Con obras de este calibre y maestros como Brunelleschi, Ghiberti o Donatello trabajando en la ciudad, todo estaba listo para que Florencia se convirtiera en la capital del arte en occidente. El Renacimiento.

Decoración de la cúpula

La cúpula no es solamente una genialidad por fuera, también lo es en su interior. Con su inmensidad también, lógicamente, dentro, frescos de inmensurable belleza la decoran en su totalidad. Estos frescos fueron realizados un siglo después de la finalización de la cúpula. Ya en el tardo Renacimiento, entre el 1572 y el 1579, Giorgio Vasari y Franco Zuccari decoraron el interior de la cúpula con un espectacular fresco sobre el Juicio Universal. Pinturas que se inspiraron en las que decoran el Battistero di San Giovanni, en la Plaza del Duomo.

La pintura, obra de Vasari y Zuccari, no sólo es impresionante por su belleza sino que se trata de la pintura mural más grande del mundo.

La técnica innovadora de Brunelleschi

Brunelleschi utilizó una técnica innovadora para construir la cúpula de la catedral. El maestro no se ayudó de apoyos o soportes de piedra o madera como se hacía siempre para este tipo de obras. Más para una tan enorme.

La cúpula sería construida de forma que ella misma se autosostendría a medida que se fuera construyendo. Algo que dejó impresionados a todos los coetáneos de Filippo Brunelleschi.

Leon Battista Alberti, también excelente arquitecto de la época de Brunelleschi, pudo ver la obra crearse y finalizarse. En su libro ‘De Pictura’ recalcaría la grandeza de su construcción, preguntándose cómo alguien no podría admirar a Brunelleschi por ella, ya que creó ‘’una estructura tan grande, erigida sobre el cielo, amplia hasta cubrir con su sombra todos los pueblos toscanos, hecha sin la ayuda de soportes ni estructuras de madera, lo que yo creía imposible’’.

Precedentes de la Cúpula de Brunelleschi

¿Cómo pudo Brunelleschi llegar a semejante idea? ¿Cómo pudo construir la cúpula más grande jamás construida y crear él mismo el método para hacerlo? En realidad, todo esto es correcto. La grandeza de Filippo fue tal que fue capaz de idear por sí mismo la forma de crear la cúpula más grande jamás vista.

Pero es cierto que Brunelleschi pudo tener y apreciar en persona una importante referencia: el Panteón de Roma. El Panteón es, aun a día de hoy, la cúpula construida con material no armado más grande del mundo. Teniendo en cuenta que tiene 2000 años, es una obra maestra quizás aun mayor que la del propio Brunelleschi. El genio trabajó y pasó un periodo de su vida en Roma estudiando el arte y la arquitectura antiguas. Sin duda, el artista florentino estudió la arquitectura del Panteón buscando una respuesta a la misión imposible que parecía realizar la cúpula de la catedral de Florencia.

La leyenda del Brunelleschi, el huevo y la cúpula

Cuando las obras de la Catedral de Florencia estuvieron lo suficientemente avanzadas y llegó el momento de construir la cúpula, la ciudad de Florencia llamó a Brunelleschi para encargarle su construcción. El arquitecto, según Giorgio Vasari (escritor de su biografía), se habría fingido desinteresado e incapaz, aconsejando a Florencia que sacara el proyecto a concurso público. Un concurso abierto a toda Europa, pues un trabajo así sólo estaría al alcance de un genio.

Vasari nos cuenta que Brunelleschi en realidad planeaba todo esto a propósito. Él estaba ya en Roma desde hacía tiempo para estudiar cómo llevar a cabo la cúpula, esperando recibir el encargo. Y también se sabía el único capaz de llevarlo a cabo. Filippo, de gran carisma… quería espectáculo.

A Florencia llegaron los mejores arquitectos de toda Europa, pero ninguno consiguió demostrar que sería capaz de construir semejante cúpula. O, mejor dicho, ninguno fue capaz de convencer a los jueces, que seguían indecisos luego de meses de consultas.

Fue entonces cuando Brunelleschi se presentó ante todos los postulantes y los jueces y propuso un acertijo. Dijo a todos que el que consiguiera hacer mantener en pie, en equilibrio, un huevo sobre una mesa de madera, sería lo suficientemente ingenioso como para resolver el reto de la construcción de la cúpula.

Los jueces aceptaron el reto pero ninguno lo consiguió. En ese momento, Brunelleschi cogió el huevo, lo rompió en su base con suavidad e hizo que se mantuviera en pie sobre la mesa. Y dijo ante todos: ‘’a veces las soluciones sencillas son las mejores. Como mi proyecto para la cúpula, por eso seré capaz de hacerlo’’. Y, de esta manera, Brunelleschi se hizo con el encargo.

Miguel Ángel y la Cúpula de Brunelleschi

Cuando se finalizó la cúpula que, por cierto, Brunelleschi no pudo ver terminada porque falleció antes del fin de los trabajos, se planteó otro proyecto. De nuevo, se sacó a concurso el trabajo para decorar el exterior de la cúpula. Era un encargo tan importante que interesó al mismísimo Miguel Ángel. El legendario Michelangelo presentó su propuesta, pero sorprendentemente no fue el vencedor.

El ganador fue el arquitecto Baccio d’Agnolo que tenía una gran reputación en la ciudad de Florencia. Ya con las obras de su diseño en marcha, Baccio quería saber qué pensaban los florentinos y sus colegas de su idea y diseño.

La leyenda cuenta que, cuando le preguntaron a Miguel Ángel, el genio se paró a observar la maqueta en madera del proyecto de Baccio y, luego de una pausa, dijo: ‘’parece una jaula para grillos’’.

La opinión de Miguel Ángel no era la de cualquiera. De hecho, cuando llegó a oídos de Baccio, éste se desanimó tanto que no sólo abandonó los trabajos sino que dejó incluso Florencia. Dejando las obras sin terminar y tal como estaban en ese momento. Y así es como quedó la cúpula de Brunelleschi, sólamente con la zona del tambor decorada externamente.

Curiosamente, debemos agradecer a Miguel Ángel su comentario pues, de haber finalizado los trabajos, según algunos expertos es muy posible que la cúpula tuviera graves problemas y se hubiera venido a bajo por su excesivo peso.

Horarios de visita

Se puede acceder y visitar la cúpula de la Catedral de Florencia en los siguientes horarios:

• De lunes a viernes: 08:15 – 18:45
• Sábado: 8:15 – 16:30
• Domingo: 12:45 – 16:30

Se admite un retraso o antelación de 5 minutos respecto al horario de la entrada y la estancia máxima permitida es de 45 minutos.

Entradas

El acceso y subida a la Cúpula de Brunelleschi está incluida en el Brunelleschi Pass, que se deben reservar online en la web oficial.

• Mayores de 14 años: 30€.
• Personas entre 7 y 14 años: 12 euros.
• Menores de 6 años: gratuita.

Tour de la Cúpula de Brunelleschi

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Tour de la Cúpula de Brunelleschi y terrazas secretas del Duomo en grupo reducido en inglés

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La cúpula tiene un atractivo y relevancia tal que es muy habitual querer hacer una visita guiada a la misma para conocerla en profundidad. Nosotros estamos totalmente de acuerdo, merece muchísimo la pena hacer un tour de la Cúpula de Brunelleschi y conocer con un guía local una de las maravillas arquitectónicas del mundo y una de las obras cumbre del Renacimiento.

Os animamos a acompañarnos en nuestro tour de la cúpula de Brunelleschi para conocer juntos esta maravilla. Además, ¡las entradas están incluidas! Os esperamos EnFlorencia.

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Este incalculable valor artístico e histórico y la unión de estas obras maestras de artistas de tal embergadura hacen de la Galería Uffizi el museo más visitado de Florencia. Superando incluso a la Galería de la Academia en donde se encuentra el David de Miguel Ángel.

Historia de la Galería Uffizi

Ahora bien, la galería no surgió como un museo. Su nacimiento está ligado, como no, a los Medici. En el siglo XVI Cosimo I, líder de los Medici y gran duque de Florencia, confió a Giorgio Vasari la construcción de un gran palacio cerca de la Plaza della Signoria en el que quería juntar todas las oficinas administrativas (uffizi) de Florencia para reunir todas las funciones en un mismo lugar.

A la muerte de sus dos ‘’padres’’, Cosimo I y Vasari, las obras continuaron con otros grandes duques y arquitectos que iban añadiendo partes y modificando el edificio según sus intereses. Fue Francesco I de Medici, a finales del siglo XVI, quien decidió dedicar el último piso a una galería donde guardaría algunas obras de arte propiedad de la familia.

De las oficinas de Florencia a su mejor museo

Poco a poco, este palacio fue siendo el lugar escogido por los Medici para reunir aquí todo el arte en su poder… que no era poco. De esta forma, el último piso se quedó escaso y la galería fue comiendo terreno y relevancia al resto de «uffizi» hasta que estos mismos se vieron abarcados por el museo. Nació así la Galería Uffizi, un palacio entero dedicado al arte, a las obras propiedad de los Medici y a numerosas donaciones y nuevas creaciones que la poderosa familia fue encargando para embellecerlo. De hecho, el palacio original, llegado cierto punto, tuvo que ampliarse hasta duplicar su tamaño para albergar todas sus obras.

Es más, incluso el Corredor Vasariano, pasadizo sobre el Ponte Vecchio que lleva al Palacio Pitti, es hoy en día una parte más de la Galería Uffizi y a lo largo de su recorrido se pueden apreciar diferentes creaciones artísticas.

Entradas Galería Uffizi

Si quieres visitar el museo ten en cuenta que el coste de las entradas de la Galería Uffizi es de 25€ para los adultos, 2€ para los ciudadanos europeos entre los 18-25 años y gratis para los menores de edad.

Ahora bien, existe una opción mejor: desentenderse de las entradas Galería Uffizi y todo su proceso y visitar la Galería con un guía experto. Acompáñanos así en nuestro tour por la Galería Uffizi y lleva tu experiencia a otro nivel.

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Visita guiada por la Galería de los Uffizi

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Horarios Galería Uffizi

Los horarios Galería Uffizi son los siguientes:

• De martes a domingo: 08:15 – 18:30.

La galería permanece cerrada todos los lunes, el 1 de enero y el 25 de diciembre.

Cómo llegar a la Galería de los Uffizi

La Galería Uffizi está en pleno centro de Florencia, pegada a la Plaza della Signoria. Concretamente, se encuentra entre el Palazzo Vecchio y el río Arno, lo que le otorga una situación perfecta y unas vistas magníficas. Estando en Florencia, podréis alcanzarla a pie muy fácilmente desde cualquier punto.

Si llegáis a la ciudad, ya sea en tren o en avión, lo más seguro es que lleguéis a Florencia a la estación de Santa María Novella. Si este es vuestro caso y queréis dirigiros desde la estación a los Uffizi, el camino es muy sencillo y os llevará apenas unos 15 minutos. Esta es la ruta que deberéis seguir: desde la estación, coged la calle Via Cerretanti, que os llevará hasta la Plaza del Duomo. Una vez aquí, debéis seguir por Via Calzaiuoli y llegaréis a la Plaza della Signoria. En la plaza, localizad el Palazzo Vecchio. Caminad hasta la esquina del palacio situada junto a la Loggia dei Lanzi… ¡y estamos en la Galería Uffizi!

Si llegáis en coche, encontraréis un parking subterráneo justo al lado de la Estación de Santa María Novella. Podréis aparcar allí y llegar andando a la Galería Uffizi siguiendo las instrucciones anteriores.

Si estáis en un punto muy lejano de la ciudad o simplemente preferís coger el autobús para llegar a la Galería Uffizi, también es muy sencillo. Debéis coger la línea C1, que cuenta con una parada al lado del museo. El nombre de la parada  es ‘Galleria degli Uffizi’.

Las mejores obras de la Galería Uffizi

Recordad que la Galería Uffizi es uno de los museos más importantes del mundo. La infinidad de obras de gran valor que posee no cabrían en una página. Pero vamos a hacer un repaso de aquellas que no podemos perdernos en una visita a la Galería Uffizi convirtiéndola en uno de los lugares más importantes de Florencia.

Galería Uffizi: Otras Obras Imprescindibles​

Artemisia Gentileschi: la mujer del Barroco en la Galería Uffizi

Florencia fue, durante siglos, atracción de grandes artistas y estudiosos del arte. La cuna del Renacimiento y la capital mundial del arte. Al fin del Renacimiento, este trono pasaría a Roma. Pero, aun así, durante el siglo XVII el arte siguió muy presente en Florencia también en el Barroco.

Atrajo así, en el 1612, a Artemisia Gentileschi. Una mujer que llegaría para romper con toda norma establecida. Para abrirse paso en un mundo de hombres a golpe de puro talento, carácter y lucha.

En el mundo del arte, las mujeres eran una rara excepción. No se les ayudaba en su dedicación o estudio y se dificultaba cualquier intento de profesionalizarse.

Artemisia Gentileschi era hija de pintor y, desde muy pequeña, mostró interés por el arte, la pintura y por hacer de ello su vida. Con el apoyo de su padre, consiguió formarse. Pero eso era solo una pequeña piedra de las miles que tendría que poner para construir su camino.

Fuerza, lucha, determinación y talento

Gentileschi, con sólo 19 años, fue víctima de una violación. Es más, en el juicio, no solo la humillaron sino que la torturaron y abusaron de ella en las investigaciones. El culpable fue el que, en teoría, iba a ser su maestro de pintura. Un supuesto amigo de su padre.

Con su imagen pública destrozada aun antes de poder abrirse paso en el mundo artístico y una experiencia traumática, Artemisia solo salió de aquello con más determinación y fuerza.

Con trabajo, infinitas dificultades y, sobre todo, con un inmenso talento, Gentileschi se abrió paso. Fue la primera mujer en ser aceptada en la Academia de Artes y Dibujo de Florencia. Acabó trabajando para los Medici y para familias poderosas de Roma y Nápoles que actuaban como mecenas y protectores de una de las artistas, ya reconocidas, del Barroco.

La que es conisderada su obra maestra, Judith decapitando a Holofernes, se conserva en la Galería Uffizi. Además de otra pintura magistral nacida de su mano: Santa Caterina de Alejandría.

Corredor Vasariano: un pasadizo en la Galería Uffizi

El Corredor Vasariano es una de las partes más curiosas de la Galería Uffizi. Su función inicial no tiene nada que ver con la actual. Es más, el corredor estaba pensado para evitar gente y no para atraerla. Los Medici se lo encargaron a Giorgio Vasari (de quien coge el nombre) para poder llegar desde el Palazzo Vecchio al Palacio Pitti sin cruzarse con la plebe.

Gracias al enorme éxito y al rápido crecimiento que tuvo la Galería Uffizi, el Corredor Vasariano se destinó al museo para que fuese una sala más. Una sala cuanto menos especial, ¿verdad?

La parte de la galería en el Corredor Vasariano está dedicada en su mayor parte a retratos y autorretratos. Uno de ellos muy importante. Otra de las obras que hay que visitar sin falta en la Galería Uffizi. Se trata del famosísimo autorretrato del gran Rafael.

Pero el corredor no es sólo una parte apartada de los Uffizi, un lugar especial al que acudir solo para ver el autorretrato de Rafael. En él se muestras más de 1000 pinturas, conservadas en un lugar histórico como este… ¡menuda combinación!

Además no solo Raffaello Sanzio destaca entre los artistas cuyas obras se muestran en el Corredor Vasariano. Aquí, sumándose a Rafael, podemos admirar pinturas de maestros como Velázquez, Rembrandt, Delacroix y Filippo Lippi.

Un museo especial desde el primer pasillo

La Galería Uffizi tiene forma de ‘U’ invertida. En esta ‘U’ invertida tenemos, por tanto, tres pasillos en cada altura. Dos más largos y uno más corto. Estos nos abren puertas a las incontables salas que conservan las maravillas del museo.

Pero los Uffizi son el museo más visitado de Florencia por algo. En el último piso, ya en el primer pasillo que nos encontramos al entrar, el propio corredor es una obra de arte. El pasillo de levante o corredor este. Gran parte de culpa lo tiene su particular techo.

El techo, o soffitto en italiano, está decorado con increíbles frescos realizados con la técnica llamada ‘grottesca’. Una inspiración e imitación de los frescos que decoraban los techos de la Domus Aurea de Nerón. El monumental palacio del emperador fue descubierto a finales del siglo XV en Roma. Sus llamativas decoraciones llamaron la atención de todos los artistas del Renacimiento, que se inspiraron en su estilo único e intentaron aplicarlo a su arte. Así, Francesco I de Medici lo quiso también para el pasillo de los Uffizi.

La Galería Uffizi tiene… hasta buenas vistas

El techo del primer pasillo de la última planta fue decorado inspirándose en la Domus Aurea en el ‘500 por voluntad de Francesco I de Medici. En los siglos posteriores, ’600 y ‘700, los siguientes pasillos siguieron su ejemplo con la decoración de su techo. Aunque sin tener tan presente el ejemplo del palacio de Nerón.

Aun así, resultan realmente bellos. Y eso sin contar las obras de arte que alojan. ¡Los Uffizi son arte entre arte! Y este no es el único atractivo de los corredores de la última planta. Desde ellos tenemos una de las mejores vistas de Florencia gracias a sus cristaleras que asoman a la ciudad.

Desde una parte podemos ver algunos monumentos de Florencia como la iglesia de Orsanmichele, la Catedral y el Palazzo Vecchio. De la otra, el río Arno, el Ponte Vecchio y la preciosas colinas de Florencia.

Serie Áulica

En el pasillo de levante, conocido también como corredor este, el que está decorado imitando la Domus Aurea, tenemos una colección especial. En el pasillo, las obras de arte se dividen en tres. Tenemos una colección de estatuas antiguas, una colección de pinturas de pequeño tamaño y otra de mayor tamaño. Esta última llamada la Serie Áulica.

Lo especial de la Serie Áulica es que es un conjunto de pinturas donde todas representan a los Medici. Retratos de miembros de la familia que levantó los Uffizi. Como una presentación, un ‘’bienvenidos’’ que la familia nos brinda en nuestro recorrido por el museo. Recordándonos que ellos fueron los impulsores del que hoy es uno de los museos más importantes del mundo.

Entre los cuadros, podemos ver representaciones de algunas figuras muy importantes de los Medici como Ana Maria Luisa de Medici o Lorenzo el Magnífico.

Tribuna de Buontalenti: el corazón de la Galería de los Uffizi

La Tribuna de Buontalenti, también conocida como la Tribuna de los Uffizi, es uno de los lugares más especiales del museo. Su corazón. Pues la tribuna fue museo antes de que los propios Uffizi lo fuesen. Como veíamos en los orígenes de la galería, inicialmente los Uffizi eran oficinas, un edificio administrativo. Aquí se reunían todas las funciones administrativas de Florencia. De modo que los Medici centralizaban todo en un único sitio.

Sin embargo, tenían un pequeño rincón en los Uffizi para guardar sus bienes más preciados: la tribuna. Aquí, en una pequeña sala octogonal, guardaban algunas de sus estatuas y pinturas más valiosas, joyas, gemas… De modo que, si alguna personalidad importante venía a los Uffizi, podían dejarlos sin palabras mostrándoles sus tesoros. Aunque más bien reservaban este privilegio a amigos íntimos.

La obra de Bernardo Buontalenti

Francesco I de Medici, en el siglo XVI, decide darle a la tribuna un cambio grande. Hacerla de verdad una obra de arte y no sólo una sala donde acumularlas. Para ello confía el trabajo al arquitecto Buontalenti. Éste, crearía una sala tan maravillosa que acabaría conociéndose por su nombre. Buontalenti la dota de una majestuosa cúpula, desde la cual, hasta las paredes rojas, descienden cientos de conchas de ostra. El suelo está hecho por fino pavimento decorado con antiguos mosaicos. Así, la tribuna representa los 4 elementos: aire (la cúpula), agua (las conchas), fuego (las paredes rojas) y tierra (el pavimento).

En aquel entonces y en los siglos sucesivos, se comenzaron a acumular una cantidad de obras desmesurada en la tribuna. Obras maestras amontonadas en un pequeño espacio que lo convertía en el sueño de cualquier amante del arte.

Durante el siglo XVIII, miles de personas de toda Europa llegaban a Italia para admirar y estudiar las obras de arte de los genios del Renacimiento en Florencia y las de los antiguos romanos en la Ciudad Eterna. La aparición del Gran Tour hizo que esto tomara un impulso tremendo.

El Grand Tour y la Galería Uffizi

Gentes procedentes de todo el continente llegaban así a Florencia soñando con visitar sus maravillas y el arte de los Uffizi. La Tribuna de Buontalenti se hizo famosísima en toda Europa. Había visitantes que entraban en la tribuna por la mañana y se quedaban hasta que la luz natural se apagaba. Pues a veces no llegaba una jornada entera para ver todas las obras de la sala.

La fama de la tribuna llegó hasta la mismísima reina de Inglaterra. Que en 1772 contrató al pintor Johan Zoffany por una pequeña fortuna que fuese a Florencia y le pintara un cuadro de la Tribuna de los Uffizi. Zoffany se tomó 5 años. En su cuadro podemos ver el increíble grupo de obras que se conservaba en la sala. Algunas de las más importantes de la historia, entre las que curiosos sentaban, discutían y debatían sobre ellas.

De aquel total de obras, una era la reina de la tribuna. La que todavía hoy sigue siéndolo: la Venus de Medici. Ahora la tribuna acoge una cantidad mucho menor de arte que en aquel entonces, pero algunas están entre las obras más valiosas de la Galería Uffizi. Vicisitudes de la historia de Florencia que vemos convertidas en arte.

Entre los 10 museos más visitados del mundo

La Galería Uffizi es el museo más visitado de toda Italia. Por delante de la Galería de la Academia y de museos importantísimos de ciudades como Roma, Venecia o Milán.

En el 2019, los Uffizi (institución que engloba Galería, Palacio Pitti y Jardines Boboli) sumaron en total 4.5 millones de visitantes. Lo que confirmó de nuevo al museo entre los 10 más visitados del mundo. Lo que no es de sorprender sabiendo la cantidad y calidad de obras maestras que en él se guardan. Contando con muchas de las obras de arte más importantes de todo el globo.

Dejando atrás el triste período de la pandemia, con el correspondiente cierre de los Uffizi, la Galería ha vuelto a ser uno de los puntos de atracción más importantes de Florencia y de Italia con una media de más 10.000 visitantes al día, ¡más de 5 millones de visitantes al año!

Entrar a la Galería Uffizi no es sólo hacerlo a uno de los lugares más importantes de Florencia. Tampoco a uno de los mejores museos de Italia. Estamos hablando de uno de los museos referencia a nivel mundial. Un top 10 de museos del mundo.

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¿Dónde está el Nacimiento de Venus?

El Nacimiento de Venus es una obra de Sandro Botticelli del 1485, considerada una de las obras maestras del Renacimiento. Si os preguntáis donde está expuesto el Nacimiento de Venus, que sepáis que la pintura se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, donde recibe miles de visitantes. Para entender la importancia del Nacimiento de Venus, nos basta con saber que es la principal atracción del museo, que es el más visitado de Florencia y uno de los más importantes de todo el mundo. Además, la pintura marcaría los cánones de belleza femeninos, siendo una de las aportaciones más relevantes del arte renacentista.

El nacimiento de la Venus de Botticelli

Del nacimiento de la pintura, a pesar de su enorme fama, no sabemos demasiado. La obra no es citada en ningún documento histórico hasta casi un siglo después de su finalización. Lo hace Giorgio Vasari en el 1550.

Por lo que sabemos, gracias a los exhaustivos estudios sobre la pintura, sus simbología y significados, podemos estar prácticamente seguros de que fue un encargo de algún miembro de la familia Medici a Sandro Botticelli.

Algo a tener muy en cuenta a la hora de analizar el Nacimiento de Venus es que Botticelli comienza a trabajar en él poco después de haber vuelto a Florencia de su estancia en Roma. Ciudad a la que fue llevado por el Papa para trabajar en la Capilla Sixtina.

Allí Botticelli pudo empaparse del arte antiguo como en ningún lugar. Un arte cuya influencia veremos plasmada en el Nacimiento de Venus.

Grecia, Roma, Florencia y Chipre… todo en una pintura

Curiosamente, el nombre por el que conocemos la pintura y que tanto hemos escuchado no representa el nacimiento de Venus. Sorprendente, ¿verdad? Lo que Botticelli representa no es el nacimiento de la diosa sino su llegada a la isla de Chipre, su hogar según la mitología romana.

La figura de Venus tal y como la vemos en el cuadro tiene también mucha relación con la tradición griega y romana. De hecho, en la misma Galería Uffizi tenemos una estatua de Venus, la Venus de Medici, que data del siglo I a.C. y está en la misma postura. ¿Coincidencia? En absoluto. Y menos con un genio como Botticelli. La postura de Venus cubriéndose su pecho y su zona íntima era una de las formas de representar a la diosa Afrodita (correspondiente griega de Venus) en la antigua Grecia.

El Nacimiento de Venus: talento y corazón de Botticelli

Botticelli, como el genial artista que era, no sólo dejó plasmada su admiración hacia el arte antiguo en el Nacimiento de Venus. En la pintura va el talento y el corazón del artista. Esto literalmente. Pues todo indica a que el rostro de Venus es el de Simonetta Vespucci, el amor platónico de Botticelli y su musa. Aunque el corazón de Simonetta pertenecía (también en matrimonio) a otro hombre. Que su rostro fuese escogido por el gran Sandro para hacerlo el de la diosa de la belleza es un halago con mayúsculas. Simonetta acabó, sin saberlo, siendo el ideal de belleza femenina.

Hablando del ideal de belleza, Florencia puede presumir de algo absolutamente increíble. Y es que dos de los museos de la ciudad, en la Galería Uffizi y en la Galería de la Academia, se conservan las dos obras del Renacimiento que marcaron los cánones de belleza ideales. El femenino: la Venus de Botticelli; el masculino: el David de Miguel Ángel.

Simbología y contenido de la pintura

Analizando ya el contenido propio de la pintura, observamos que el Nacimiento de Venus está lleno de simbología y gran detalle. Quizás, el mayor de los detalles es no ser minucioso con ellos en el espacio. Botticelli renuncia a dar al paisaje una gran prospectiva o dimensión. Una decisión que no es fruto del azar o la pereza sino una técnica para realzar únicamente la belleza como objetivo final. Pues Venus es la diosa del amor y la belleza.

Venus: diosa del amor y de la belleza

Venus llega a la orilla de la Isla de Chipre sobre una concha que es arrastrada por las olas. Olas que generan espuma al chocar con la orilla, espuma de la cual nace Venus. Esta es otra referencia a la mitología griega, que dicta que Urano fecunda al mar y de esa unión, a través de la espuma marina, nace la Diosa.

La concha en la que llega Venus es arrastrada por el viento, pero en la pintura vemos, a nuestra izquierda, un personaje que lo provoca con su fuerte soplido. Se trata de Zefiro, el viento primaveral, estación con la que se relaciona a la diosa Venus.

Zefiro porta en sus brazos a una mujer cuya identidad aun no pone de acuerdo a los estudiosos del arte. La teoría más aceptada es que sería Aura, la brisa primaveral. Por ello su intensidad al soplar es muy ligera, casi indetectable.

A nuestra derecha, ya en la orilla, una mujer recibe a Venus cubriéndola con un manto delicadamente. Un manto lleno de elementos primaverales. Esta mujer se identifica como l’Ora della Primavera, la hora de la primavera. El momento preciso del equinocio, con el que nace la primavera y con ella la belleza y el amor: Venus. La primavera recibe a su diosa protegiéndola, admirándola y cuidándola al mismo tiempo.

Por todo el cuadro observamos rosas que caen del cielo, incluso en el mar. La caída de rosas, según la mitología, ocurría también en el momento del nacimiento de Venus.

El viento en nuestro tacto, el fragor del agua espumante, el aroma de las rosas, los colores que imprimen la primavera en nuestros ojos y el suculento fruto que nos desvela esta concha, hacen de este cuadro una de las joyas que nos regalan los maravillosos museos de Florencia.

El Nacimiento de Venus: una obra maestra

Es apasionante, increíble, que en una sola pintura una mente sea capaz de representar tanta belleza, con tanto significado y al mismo tiempo hacerla tan personal. Del mismo modo que, siendo personal, acaba siendo universal. Pues la Venus de Botticelli fue por siglos la imagen de la mujer perfecta, como para Botticelli lo era su amada Simonetta Vespucci. De lo pequeño a lo grandioso. Del detalle y el momento fugaz a una obra maestra que quiere perdurar. Simplemente una de las mejores pinturas jamás creadas, el Nacimiento de Venus.

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Filippo Brunelleschi: obras y mucho más​

Brunelleschi y la «nueva» arquitectura

Brunelleschi, con su arquitectura, dibujó la ciudad que hoy en día conocemos y nos maravilla. Por esta razón, Filippo Brunelleschi, gracias a su figura y legado, forma parte de los grandes artistas de Florencia.

A través de la labor arquitectónica del artista, descubriremos muchos monumentos y atractivos de la ciudad. Conociendo la figura del gran genio de la arquitectura del siglo XV, Filippo Brunelleschi, conoceremos una de las ciudades más bellas del mundo: Florencia.

Obras de Brunelleschi en Florencia

• Hospital de los Inocentes

En la Plaza della Santissima Annunziata tenemos el considerado primer ejemplo arquitectónico del Renacimiento. El Hospital de los Inocentes, además de cumplir una importante función social, se convirtió en una construcción para la historia gracias al genio de Brunelleschi. Considerado uno de los primeros orfanatos europeos, el Hospital de los Inocentes es una de las obras de Brunelleschi que forma parte de los monumentos más bellos de Florencia.

Lo más interesante es que este edificio también sobresalió por sus novedades estéticas. Rompiendo de nuevo con la silueta urbana medieval. El hospital representa mejor que ningún edificio el espíritu caritativo e innovador de los florentinos que apostaron por las  nuevas generaciones. Conscientes de la importancia de la educación de la juventud, para un mayor crecimiento de la ciudad.

• Catedral de Florencia

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Visita guiada a la Catedral de Florencia

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La Catedral de Florencia no siempre fue el edificio grandioso que vemos en la actualidad. En el Renacimiento, con el auge de Florencia, se decidió eliminar la iglesia que ocupaba su lugar para crear una catedral a la altura de la ciudad. Para ello se contó con los mejores artistas. El más importante de todos fue Brunelleschi que, con su talento y casi locura, propuso crear la cúpula más grande jamás construida. Una obra que cambió su vida, la historia del arte y la ciudad de Florencia. El lazo entre creador y creación fue tal que Brunelleschi fue enterrado en la Catedral. En excavaciones recientes (siglo XX) se ha descubierto su tumba dentro del imponente edificio.

• Cúpula de Brunelleschi

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Tour de la Cúpula de Brunelleschi y terrazas secretas del Duomo en grupo reducido en inglés

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La Cúpula de Brunelleschi lo dice todo con su nombre. Pues la cúpula de la catedral lleva el nombre del maestro. Ya en el momento en el que le fue concedido el proyecto, en Florencia se reconocía que sólo Filippo podría ser capaz de un hito así… aunque algunos no creían que fuera físicamente posible. Brunelleschi construyó una cúpula de 45 metros de diámetro, que sumada a la base de la Catedral de Florencia alcanzaría los 114 metros de alto. Todo esto sin ayuda de apoyos de madera o andamios. Entre todas las obras de Brunelleschi en Florencia, con toda seguridad ésta es la más destacada.

Gracias a la cúpula, no sólo hizo visible el centro religioso de Florencia desde las colinas que rodean la ciudad, sino que transformó la imagen de la Florencia medieval de la época. Dándole una estética totalmente nueva con tal sólo una obra.

• Basílica de Santa Croce

Todos en la ciudad de Florencia admiraban y deseaban trabajar con Brunelleschi. En la Basílica de Santa Croce hubo un incendio en el 1423 que destruyó parte del edificio. En el 1429, los franciscanos de la iglesia encargaron a Brunelleschi la reconstrucción de una de las capilllas. Pasando a través del claustro de Santa Croce, se encuentra la Capilla Pazzi, la preciosa construcción que realizó el genial arquitecto.

• Iglesia de Orsanmichele

La Iglesia de Orsanmichele es uno de los edificios religiosos más bonitos y curiosos de Florencia. Su forma recuerda a una enorme torre medieval, aunque su fachada está decorada por estatuas realizadas por algunos de los grandes artistas del Renacimiento. Una de esas estatuas es obra del gran Filippo Brunelleschi. En concreto, la que representa a San Pedro.

• Basílica de Santa Maria Novella

En la Basílica de Santa Maria Novella nos topamos con una obra de Brunelleschi muy especial. Se trata de la única escultura en madera realizada por el artista. Al parecer, todo fue un reto fruto de su amistad con otro genio del Renacimiento: Donatello. Éste realizó un crucifijo en madera para la Basílica de Santa Croce y retó a Brunelleschi a crear uno mejor. Al parecer, Brunelleschi aceptó el reto y Donatello, luego de ver el crucifijo de Brunelleschi, habría aceptado su derrota y felicitado a su amigo.

• Basílica de San Lorenzo

La Basílica de San Lorenzo es una de las iglesias más destacadas de Florencia. Por fuera, su diseño no es especialmente llamativo, pese a ser monumental. Pero su interior nos reserva una más que grata sorpresa y muchísimo arte. El culpable de todo es Brunelleschi, que fue el creador del proyecto, aunque no pudo finalizarlo y lo llevó a cabo Michelozzo. En su interior, con gran maestría, Brunelleschi creó una gran iglesia dándole a la vez un aire de privacidad, familiaridad y cercanía.

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Obras de Brunelleschi: La Sacristía Vieja en la Basílica de San Lorenzo

La Sacristía Vieja forma parte del complejo de la Basílica de San Lorenzo. Aquí el genio crea una cúpula mucho más simbólica y por supuesto pequeña que la de la catedral, la Capilla de los Pazzi, considerada una de las joyas de la arquitectura del renacimiento italiano.

Divide la misma en 12 partes donde cada una representa a uno de los apóstoles. De nuevo en la Sacristía Vieja encontramos una colaboración con su amigo Donatello, que aportó esculturas a la Sacristía Vieja. Entre los dos nos ofrecen uno de los rincones más bonitos de Florencia.

• El Museo dell’Opera del Duomo: desentrañando una obra maestra de Brunelleschi

El Museo dell’Opera del Duomo conserva los mejores ejemplos y restos del proceso de construcción de la Catedral de Florencia y de la Cúpula de Brunelleschi. Debido a esto, el artista está muy presente en el museo. Aquí podemos ver por ejemplo una maqueta de madera que Brunelleschi utilizó para idear su cúpula. Y, además, proyectos de la llamada ‘linterna’, el pico con el que Brunelleschi remató la cúpula y que haría las funciones de faro.

• El Museo del Bargello y las Puertas del Paraíso de Brunelleschi

Las Puertas del Paraíso es una de las mejores obras del Renacimiento. No fue realizada por Brunelleschi sino por Ghiberti. Sin embargo, Brunelleschi fue el gran rival de Ghiberti en la lucha por el proyecto. En el concurso, ambos debieron presentar una escultura de la escena bíblica del Sacrificio de Isaac. Aquel proyecto presentado por Filippo se conservó y se puede ver hoy en día en el Museo del Bargello. Así, podemos imaginarnos cómo pudo haber sido la puerta de haber vencido Brunelleschi.

• Palacio Pitti o la obra póstuma del arquitecto

Como vemos, Brunelleschi ha dado verdaderamente forma a la ciudad de Florencia. Está presente en muchos de los monumentos más importantes de la ciudad. Su huella llega incluso al otro lado del río Arno. Allí, el grandioso Palacio Pitti se convirtió en la residencia Medici. Para reformarlo y embellecerlo al nivel del estatus de la familia, los Medici contrataron a Brunelleschi. Por desgracia, el arquitecto falleció durante los trabajos. Será uno de sus alumnos quien los finalizará.

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Historia de la Galería de la Academia de Florencia

Su nombre es muy curioso y tiene más lógica de lo que parece. Pues este lugar nació en el 1784 precisamente como una academia de arte. En Florencia ya existía, en aquel entonces, un lugar dedicado a ello. Sin embargo, esta academia, refundada, juntaría ahora todas las escuelas y academias de arte para centrarlas en una única.

Pietro Leopoldo de Lorena, su fundador, tuvo la idea de crear en la academia una galería para reunir algunas obras de arte en las que los estudiantes pudiesen inspirarse y aprender. Poco a poco, y sin ser ése el objetivo inicial, esta galería dedicada a los estudiantes comenzó a acumular diversas obras de arte de gran valor. En cuestión de siglos, pasaron a ser muchas y muy importantes. Entonces, la ’’Galleria dell’Accademia’’  ganó gran fama y prestigio recibiendo visitas de admiradores y estudiosos del arte de todo el mundo. Al final, la escuela se vio muy relegada y la Galería de la Academia de Florencia se convirtió únicamente en un museo. ¡Uno de los museos más importantes de Florencia!

Entradas Galería de la Academia: horarios y precios

Las entradas de la galería de la Academia tienen un precio de 16€. Ahora bien, para los ciudadanos europeos entre 18-25 años hay un billete especial con un precio de 2€.

Los horarios de visita son de martes a domingo de 08:15 a 18:50.

Entradas Galería de la Academia página oficial.

En un lugar con tanta historia y unas obras de tan alto valor, la mejor manera de visitarlo es acompañado por un guía local. Acompáñanos en nuestro tour por la Galería de la Academia y haz de tu viaje a Florencia una experiencia inolvidable.

El David de Miguel Ángel

Está claro que si visitamos la Galería de la Academia de Florencia no podemos perdernos el David. La escultura de Miguel Ángel es algo que hemos visto miles de veces durante nuestra vida. Estudiando de pequeños, en la universidad, en programas de viajes o en las noticias. El David de Miguel Ángel es una de las obras de arte más hemosas de todos los tiempos. Ella sola hace de la Academia uno de los lugares más importantes de Florencia cuando la visitamos.

Lo que sorprende siempre al verlo en persona es su tamaño. Pues con sus perfectas proporciones, en pantalla parece mucho más pequeño. ¡La estatua mide más de 5 metros! Y pesa… ¡más de 5000 kilos! Para tener las medidas perfectas son cifras muy grandes, ¿no? Lo cierto es que sí. Y esto hace aún más increíble la gesta de Miguel Ángel.

Para esculpirla, el maestro empleó 4 años. Del 1501 al 1504. El gigantesco bloque de mármol del que surgió su creación no se extrajo para la misma. Ni mucho menos. Diversos artistas llevaban décadas intentando sacarle provecho. Su opinión era siempre la misma: el bloque era demasiado grande y no era bueno para esculpir. Incluso uno de ellos dejó un agujero enorme en el intento. El mármol quedó prácticamente abandonado.

Un ser nacido del mármol

Miguel Ángel, en el taller del Duomo, se encontró con el famoso bloque. Se pasó mucho tiempo observándolo, girando alrededor de él… Finalmente, Michelangelo aseguró que había visto un ángel en el mármol y sólo había que sacarlo.

Cuando finalizó su obra, nadie pudo contradecirlo. El histórico artista tenía sólo 26 años.

La exactitud y el detalle minucioso del David es algo que no ha sido alcanzado de nuevo. Las uñas, las venas, el vello, su musculatura… es tan realista y perfecto que deja sin palabras.

Cuenta la leyenda que el mismo Miguel Ángel, al finalizar, golpeó en la rodilla al David gritándole ‘’¿por qué no me hablas?’’. Pues tal era el realismo que la estatua presentaba… y presenta.

Galleria dell’Accademia: esculturas de Miguel Ángel

La Galleria dell’Accademia es el museo del mundo con más esculturas de Miguel Ángel. Es decir, no sólo cuenta con la calidad, con su escultura más famosa, el David, sino también con la cantidad. Que, hablando de un genio como Michelangelo, sólo nos puede traer obras magníficas.

Los Cuatro Esclavos

En el pasillo que conduce a la Tribuna del David, la Galería de la Academia nos ofrece otras esculturas espléndidas de Miguel Ángel. Un corredor maravilloso, una forma inmejorable de introducir al David.

En este pasillo, la gran atracción son los Cuatro Esclavos de Miguel Ángel. Un conjunto escultórico de cuatro estatuas. En un principio, éstas estaban destinadas a formar parte de la tumba del Papa Julio II en Roma. Sin embargo, la prematura muerte del Papa hizo que Miguel Ángel cambiara el proyecto y los Cuatro Esclavos ya no formasen parte de la misma.

Al encontrarnos con las estatuas, nuestro primer pensamiento es que las cuatro estatuas están inacabadas y no carecen de gran importancia. Pero Michelangelo siempre va un poco más allá. Resulta que el genio realizó de forma totalmente intencionada (y acabada) las esculturas. Su idea era mostrar a cuatro figuras atrapadas en el mármol, intentando salir de él. Así veía él la escultura. Consideraba que no era el artista quien creaba las formas, sino que éstas ya estaban en el mármol y la misión del escultor era verlo y ‘’liberarlas’’.

A la muerte de Miguel Ángel, las estatuas fueron encontradas en su estudio. El florentino no las incluyó en ningún otro proyecto ni las vendió a ningún otro postor tras la muerte de Julio II. Los Cuatro Esclavos fueron sus compañeros hasta el final. Quizás, observando y pidiendo a su escultor que acabara de liberarlos antes de irse de este mundo.

San Mateo

En este mismo pasillo, acompañando a los Cuatro Esclavos tenemos otra interesantísima escultura de Miguel Ángel, el San Mateo. Una escultura, esta vez sí, inacabada… pero no a propósito. La Ópera del Duomo encargó a Miguel Ángel 12 estatuas de los apóstoles para colocarlas en la cúpula de Brunelleschi. Sin embargo, la gran cantidad de encargos que tenía el artista y los cambios en los trabajos de la cúpula provocaron que el encargo quedase apartado.

Todo lo que queda es este San Mateo, una estatua que Miguel Ángel estaba trabajando y que tenía aún sin terminar. En el bloque se puede ver un San Mateo, curiosamente, atrapado aún como sus vecinos esclavos.

En él podemos ver la fantástica técnica de Miguel Ángel, y cómo éste iba sacando del bloque las figuras que quería. Su estatua de San Mateo se muestra en una perfecta sintonía con la escultura clásica. Signo de la admiración del arte antiguo que tenía Buonarroti y que había podido estudiar en Roma.

Una apreciación que pudo hacer también, en su día en Florencia, Rafael al ver esta escultura. Un Rafael que acabaría yendo también a Roma a hacer lo propio. Es más, Rafaello acabaría trabajando para Julio II. El mismo Papa para el que Miguel Ángel realizó los Cuatro Esclavos. Una historia que se encuentra en este corredor de la Galería de la Academia. Conocido como la Galería de los Esclavos.

La Piedad Palestrina

En esta galería-corredor, en la parte más cercana al David tenemos una nueva escultura de Miguel Ángel: la Piedad Palestrina. Se trata de una representación en mármol de la escena religiosa de la piedad. En esta, la Virgen María y María Magdalena, ambas en pie, recogen el cuerpo sin vida de Cristo.

El realismo en el cuerpo de Cristo, sobre todo en sus piernas, es verdaderamente desgarrador. Miguel Ángel consigue que realmente se note el peso muerto del cuerpo de Cristo y el trabajo de la Virgen por sostenerlo. Llena de tristeza y pena.

Una leyenda acompaña a esta estatua. Pues se dice que Miguel Ángel pudo esculpirla en una cantera de mármol de Carrara, mientras controlaba algunos de sus pedidos. Parecería increíble pero, tratándose de Buonarroti… nunca se puede descartar. Aunque parece que esto no podría ser cierto, pues el mármol no es de Carrara.

La Piedad de Palestrina lleva este nombre porque es en esta localidad, Palestrina (cerca de Roma), donde se conoce que estuvo durante más tiempo la escultura. En la ciudad de Roma, por cierto, está también la Piedad más célebre de Miguel Ángel. Otra obra maestra.

El Rapto de las Sabinas de Giambologna

Pese al indiscutible reinado del David en la Galería de la Academia de Florencia, hay otra obra que compite por atraer las miradas de los visitantes. Hablamos del Rapto de las Sabinas, obra de Giambologna. La estatua en mármol la encontramos en la Loggia dei Lanzi, en la Plaza della Signoria. Esta en la Academia es el modelo en yeso realizado por el artista.

El Rapto de las Sabinas es un evento clave en la historia de Roma. Roma, en sus primeros años, crecía en población con hombres llegados de todo el Lazio… pero las mujeres no crecían en número. Lo que comprometía el futuro de los romanos. Así, Rómulo habría invitado a los sabinos, un pueblo vecino, a unos juegos. Una excusa para secuestras a las mujeres durante los juegos y mantenerlas en Roma.

Giambologna, en su Rapto de las Sabinas, demuestra su maestría y creatividad. En la escultura, tres cuerpos se tuercen y retuercen en una eterna lucha, chocando y forcejeando. Agachado en la base, un hombre parece ya vencido, protegiéndose y no queriendo mirar al segundo. Éste, en pie, agarra a una mujer, una sabina, que intenta desesperadamente escapar de su trampa. Estirando los brazos, parece clamar ayuda con horror. En un rostro lleno de miedo y horror.

El Rapto de las Sabinas se encuentra en la sala de la Galería de la Academia llamada Sala del Coloso.

Gipsoteca Bartolini

Hablando de salas, ya hemos nombrado la Tribuna del David, la Galería de los Esclavos, la Sala del Coloso… pero tenemos muchas más igualmente llamativas. De hecho, una de las salas más impresionantes de la Galería de la Academia es la Gipsoteca. La Gipsoteca de Bartolini.

El origen de la sala tiene lugar gracias a los Lorena. En una Florencia ya sin los Medici. El gran duque ordena que una parte de un antiguo hospital se adhiera a la Academia, que crecía en importancia y en número de estudiantes. El  pasillo del hospital que correspondía a las habitaciones de las mujeres se destinó a una nueva sala de la Academia. Los Lorena confían a Lorenzo Bartolini, artista y profesor de la Academia, que llene la sala con obras de arte para que los estudiantes puedan estudiarlas, admirarlas y tenerlas como inspiración.

Aquí colocó Bartolini una preciosa colección, también con sus obras. Con los siglos, se fueron acumulando más y más, mayoritariamente esculturas. Hoy, entrar a la Gipsoteca es una de las sensaciones más especiales de visitar la Galería de la Academia.

La cantidad de arte y belleza es conmovedora. Uno no sabe realmente por dónde empezar a mirar. Y, cuando empieza, se puede permanecer durante horas descubriendo cada pieza.

Botticelli en la Galería de la Academia de Florencia

A pesar de la espléndida colección escultórica de la Galería de la Academia de Florencia, el museo es mucho más que escultura. En él tenemos obras pictóricas de gran importancia. Algunas realizadas por los grandes artistas de Florencia y el Renacimiento como Sandro Botticelli.

En la Academia se conserva la ‘Madonna del Mare’, una obra misteriosa y bella a la vez. Su nombre se debe a que, en la ventana de la estancia representada, se observa una playa, un paisaje de mar como fondo.

En la estancia, la Virgen sostiene al Niño Jesús en brazos sentada en una silla. Los brazos de la Madre están firmes y seguros, cuidando al Niño. Sin embargo, su mirada está perdida, distraída, abstraída. Con su cabeza inclinada hacia otro lado, se deja llevar por sus pensamientos y se aleja de la escena. Una mirada perdida en la que es tan fácil perderse.

Esta no es la única obra de Botticelli que tenemos en la Galería de la Academia. ‘Virgen con el Niño, dos ángeles y Juan Bautista’ es otra pintura realmente atractiva conservada en el museo.

Curiosamente, esta vez la Virgen no tiene mirada. Pues sus ojos están cerrados. Forma el centro de un grupo formado por el resto de figuras que dan nombre a la obra. Una pintura donde destaca el fenomenal talento de Botticelli y su capacidad técnica con telas, colores y su estilo pictórico inigualable.

Venus y Cupido, de Pontormo

Si hablamos de pintura en la Galería de la Academia de Florencia, no podemos no hablar de ‘Venus y Cupido’, una pintura de Pontormo. La pintura está realizada a partir de un dibujo hecho por Miguel Ángel que Pontormo, amigo suyo, llevó al lienzo con soberbia maestría.

La obra se encuentra además, en la Galería de los Esclavos, muy cerca del David, frente a la Piedad Palestrina.

Esta pintura representa a Venus, tumbada y desnuda, junto a su hijo Cupido. Ambos, con posturas retorcidas y difíciles, tan dignas y características de Miguel Ángel, se envuelven en un beso.

En un lado, vemos el arco de Cupido y sus flechas apoyadas. Olvida todo, el resto de amores y su trabajo, para atender a su mayor amor, el amor materno. Sin embargo, sostiene una flecha en su mano que Venus intenta dominar. Esto ha llevado a los estudiosos a debatir entre dos grandes interpretaciones.

Podría tratarse, efectivamente, de un ensalzamiento del amor materno. Aunque Venus y Cupido son también amantes. Esta flecha podría simbolizar el carácter siempre traicionero del amor. Su naturaleza cruel en la que, por muy fuerte que sea el amor, aun en medio de una muestra de afecto, no existe la fidelidad absoluta.

El legado de Giotto en la Galería de la Academia

Antes de que el Renacimiento llegase a Florencia, el gótico decoraba los monumentos e iglesias de la ciudad. Un arte igualmente precioso, cuyo dorado hacía brillar a los grandes talentos de la época. Uno de esos grandes talentos fue el de Giotto. Pero Giotto no fue únicamente un talento del gótico sino un artista que rompió moldes y, junto con otras grandes figuras como Donatello, marcaron las pautas para un nuevo movimiento artístico. Giotto fue uno de los padres del Renacimiento.

Su legado no sólo quedó en sus obras y en los lugares de Florencia que su genio decoró sino también en sus enseñanzas. En sus alumnos.

En la Galería de la Academia tenemos toda una sección dedicada al gótico en Florencia. Dentro de esta sección, una parte está dedicada exclusivamente al legado de Giotto, con obras de sus alumnos y seguidores. Y no sólo alumnos. Algunos, además de aprender de él, fueron también sus ayudantes. Colaboradores en las grandes obras que Giotto realizó en vida y, por tanto, los mejores conocedores de su método y talento. Recordemos que el monumental Campanile de Giotto, en la Plaza del Duomo, es también creación de este artista.

Uno de sus colaboradores más destacados fue Bernardo Daddi. De él encontramos preciosas obras en esta sección de la Galería de la Academia que nos iluminan con la belleza dorada del gótico florentino.

Galería de la Academia: museo del instrumento musical

La Galería de la Academia es arte en todos los sentidos. Hemos visto cómo nos abre a un mundo de maravillosas esculturas, pinturas, incluso a la historia de Florencia y, también, a la música.

Una arte más que también tiene cabida en el museo desde el 1991. Cuando se inaugura en la Academia la sección denominada Museo de los Instrumentos Musicales. Aquí se conservan unas 40 piezas de enorme valor histórico para la música y para Florencia.

La mayoría son instrumentos que pertenecieron a los Medici y a los Lorena, familias con el poder absoluto en Florencia. Sobre todo los Medici, con un gusto tremendo por las artes. Lo cual nos indica la importancia de la música en la ciudad. De igual manera, a través de las piezas de esta parte del museo podemos entender el desarrollo y la aparición del teatro en Florencia. Así como de la ópera.

Entre los instrumentos, hay uno muy especial. Una viola hecha a mano por Antonio Stradivari. El más talentoso de la familia Stradivari, los más prestigiosos creadores de instrumentos de toda la historia.

La viola es la única en el mundo realizada por Antonio Stradivari y conservada en perfecto estado. El instrumento fue un encargo de los Medici. De hecho, la viola tiene grabado a mano el símbolo de los Medici. Grabado a mano por el legendario Antonio Stradivari.

En la sección, hay un equipo multimedia que nos permite escuchar el sonido que hace cada instrumento.

El museo con más visitantes por metro cuadrado

La Galería de la Academia, pese a no ser un museo de enorme tamaño, es uno de los más importantes del mundo. En una ciudad como Florencia, tan importante para el arte, es el segundo más visitado.

En Italia, es el segundo que más facturación acumula por año. Algo que nos lleva a una interesante observación. Y es que la Academia tiene, en comparación con otros museos destacados a nivel mundial, un tamaño muy inferior. Lo cual no hace otra cosa que remarcar su enorme valor y la importancia de las obras que conserva.

Cada año, la Galería de la Academia recibe 1.5 millones de visitantes. En proporción con su tamaño y capacidad, esto lo convierte en el museo del mundo con más visitantes por metro cuadrado.

Una visita cómoda

A pesar de estos números impresionantes. De que la Galería de la Academia sea el segundo más visitado de Florencia después de la Galería Uffizi y uno de los más importantes del mundo, es un museo muy cómodo de visitar.

Como hemos visto, la Galería de la Academia de Florencia es mucho más que el David. Además de contar con tal magna pieza (como si fuera poco) y toda la variedad de obras y secciones que hemos analizado, la Academia puede presumir de muchísimas cosas. De ser el museo que más esculturas de Miguel Ángel, de contar con pinturas de Botticelli, de tener el legado de Giotto, violas de Stradivari…

A pesar de todo esto, su tamaño no es demasiado vasto como suele ocurrir con los museos de esta categoría. Por lo que se hace muy llevadera y cómoda su visita.

Esta es una de las características más interesantes de la Galería de la Academia. Ya que a menudo, al afrontar una visita a un museo de este calibre, siempre debemos escoger qué ver y qué dejar de ver al ser imposible visitarlo por completo. En la Galería de la Academia no tendremos este problema y podremos disfrutar de todo el museo en una visita. Y una vez sabido todo lo que nos aguarda… ¡son grandísimas noticias!

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Cómo llegar a la Galería de la Academia de Florencia

La Galería de la Academia se encuentra en el centro histórico de Florencia. Llegar a la galería una vez estamos en Florencia es muy sencillo. De hecho, el museo es fácilmente alcanzable a pie desde cualquier punto de la ciudad. Si os encontráis ya en Florencia e instalados en vuestro hotel, os aconsejaos una forma facilísima para llegar a la Galería de la Academia a pie.

Seguramente ya habréis situado la Plaza del Duomo si estáis en Florencia. Uno de los lugares clave de la ciudad. Desde la Plaza del Duomo, para llegar andando a la Academia, debemos coger la calle Via Ricasoli. Caminando todo recto por esta calle, llegaremos a la Galería de la Academia en unos 8 minutos.

Si aún no habéis llegado a Florencia, lleguéis en avión o en tren, lo más probable es que arribéis a la ciudad a través de la estación de Santa María Novella. Por suerte, la estación también está en el centro de la ciudad y podréis llegar a la Galería de la Academia desde allí en menos de 15 minutos a pie.

Si, por el contrario, estáis en un punto bastante alejado de la ciudad y queréis llegar a la Galería de la Academia en autobús, también existen conexiones muy buenas. La línea 10 os dejará prácticamente al lado. Debéis utilizar esa línea y bajar en la parada de Piazza San Marco. Desde allí, caminando por Via Ricasoli, llegaréis a la Galería de la Academia en 5 minutos.

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El nacimiento del David, la escultura de Miguel Ángel

El David de Miguel Ángel nace por un encargo de Opera del Duomo a Miguel Ángel Buonarroti. La escultura del David sería una de las 12 que decorarían la naciente Catedral de Florencia. Aunque el David nunca llegaría a cumplir su función original.

El maestro Buonarroti, en aquel entonces con sólo 26 años, comenzaría a trabajar en la escultura en el 1501 y la remataría en el 1504. Para escoger el material con el que esculpir a su David, Michelangelo sorprendió a todos con una extraña elección. En los talleres de la Opera del Duomo había sido apartado un enorme bloque de mármol de Carrara. Antes que Buonarroti, dos artistas habían ya intentado realizar alguna escultura en el bloque y ambos había desistido. La calidad de aquel mamotreto de mármol era escasa, incluso en el intento anterior al David, un enorme hueco se había formado en las intentonas del escultor por sacar algo de aquel material.

El joven Miguel Ángel paseaba por los talleres (hoy Museo dell’Opera del Duomo) cuando se frenó al ver este bloque. Se quedó largo y tendido observándolo, mientras caminaba rodeándolo. Entonces, el genio decidió que de ahí nacería su escultura del David. Aunque, según sus palabras, fue el mármol quien lo escogió a él. ‘’He visto a un ángel y he esculpido hasta liberarlo’’, dijo Miguel Ángel al finalizar su trabajo.

¿Dónde está el David de Miguel Ángel?

Cuando el David de Miguel Ángel estuvo finalizado y listo para llevar a la Catedral de Florencia, el resultado impactó tanto a la Opera del Duomo que reunieron a un grupo de personajes ilustres de la ciudad para decidir donde colocarlo. Entre aquellos personajes estaban grandes artistas como Leonardo da Vinci, Botticelli y Perugino, el maestro del gran Rafael.

Aquel consejo decidió que el mejor lugar para el David de Miguel Ángel sería la Plaza della Signoria y no la catedral. Y allí estuvo el David hasta 1873, cuando fue trasladado a la Galería de la Academia. Si te preguntas dónde está el David de Miguel Ángel, su actual ‘’residencia’’ en Florencia es la Galería de la Academia.

La victoria del David, la victoria de Florencia

Con esta decisión, el renombrado consejo de artistas otorgaba al David de Miguel Ángel un significado político y no religioso como inicialmente sería. Pues Florencia acababa de ser nombrada una República y el David estaría en la plaza donde residía (y reside) el poder político de la ciudad. El David, personaje bíblico que da muerte a Goliat, representaba así la libertad del pueblo florentino que, ante el gigante del poder de los Medici, había derrotado a su enorme rival ganando su libertad.

Además el David de Miguel Ángel se posicionó en la plaza mirando hacia Roma. Con un claro mensaje a los Estados Pontificios y al poder papal de Roma. El pueblo de Florencia había derrotado a su opresor y miraba desafiante al mayor poder de Italia. Con confianza de poder derrotar a otro gigante al igual que David.

El David, la estatua con tamaño y proporciones… ¿perfectas?

El David, a pesar de no ser el gigante sino quién lo derrota, es una estatua de dimensiones grandiosas. Algo con lo que Miguel Ángel también sorprendió. La estatua del David de Miguel Ángel pesa más de 5 toneladas y mide más de 5 metros de altura.

¿No tiene las manos demasiado grandes? ¿Y la cabeza? Estas son dos de las preguntas más frecuentes que surgen en los visitantes que observan la estatua del David por primera vez. La respuesta es clara: sí. Ambos elementos son desproporcionados a las proporciones a priori perfectas del David. ¿Es un error? ¡En absoluto! Miguel Ángel esculpe la mente y las manos más grandes intencionadamente. La mente es lo que nos diferencia como humanos, el intelecto es nuestro mayor poder. Sólo gracias a esto David consigue vencer a Goliat. Y las manos son nuestro instrumento para dar acción a nuestro intelecto. Como David, que con su ingenio consigue descifrar como derrotar al gigante pero necesita sus manos para ejecutar sus ideas. Michelangelo una vez más ilustraba al mundo del arte con su escultura.

Un realismo inalcanzable

Además de la fascinante belleza global del David, su monumental tamaño y su igualmente grande significado, lo que marca la diferencia en la famosa estatua es su enorme nivel de detalle. La musculatura y su minuciosa representación es algo que Miguel Ángel consiguió como pocos en su David. Además, las uñas e incluso las venas son de un realismo increíble. Sobre todo los detalles de tendones y venas de sus manos son lo más parecido a la perfección.

Según algunas leyendas, ante tal realismo Miguel Ángel habría incluso dudado de que el David pudiese cobrar vida de verdad. Y que, una vez rematado, golpeó la rodilla de la estatua con un martillo preguntándole ‘’¿por qué no me hablas?’’. La verdad es que, ante el Moisés que se halla en Roma, y el David, nos quedamos asombrados de cómo la piedra tiene vida, un espíritu que parece haberle inculcado su creador.

¿Cómo visitar el David de Miguel Ángel?

Para visitar el David de Miguel Ángel, podemos hacerlo en la Galería de la Academia de Florencia, abierta de martes a domingo 08:15 a 18:50.

El precio de la entrada es de 16€. Los ciudadanos europeos de entre 18 y 25 años tienen un descuento especial y su entrada cuesta únicamente 2€.

Como vemos, pese a ser sólo una estatua, el David de Miguel Ángel representa mucho más. Por algo es una de las obras de arte más importantes de la historia. Para disfrutar al máximo de él y del resto de obras de la Galería de la Academia, os recomendamos que lo visitéis acompañado por un guía local. Podéis acompañarnos en uno de nuestros tours y conocer con nosotros al único e inigualable David de Miguel Ángel.

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Haciendo de Florencia una de las ciudades más bellas y poderosas de Italia contratando y descubriendo a grandes artistas de la época. El poder de los Medici llegó a extenderse tanto que la familia tuvo entre sus miembros a cuatro Papas y a 2 reinas de Francia.

El nacimiento de los Medici

El primer personaje importante, con el que empieza el ascenso de los Medici, es Giovanni de Bicci. Apodado ‘de Bicci’ por el nombre de su padre. Realmente su nombre era Giovanni de Medici.

Giovanni fue el que llevó al banco de los Medici a niveles astronómicos, haciendo de la familia una de las más ricas. La banca de los Medici acabaría siendo el banco oficial del papado y la fuente de ingresos de otras familias poderosas en Italia como los Sforza.

Aunque Giovanni no se inmiscuyó en el poder político, sí que puso a los Medici como una de las familias fuertes de Florencia. A Giovanni de Bicci debemos la creación del Hospital de los Inocentes, encargado a Brunelleschi por el ‘’padre’’ de los Medici. Además de la Sacristía Vieja en la basílica de San Lorenzo.

Con el heredero de Giovanni, Cosimo El Viejo, los Medici entrarían de lleno en la política florentina.

Cosimo El Viejo

Cosimo ‘Il Vecchio’ fue uno de los personajes clave en el ascenso de los Medici. Heredando la fortuna y el gran negocio banquero de su padre Giovanni de Bicci, Cosimo no solo estableció esa fortuna. La aumentó y metió a la familia en la administración y política florentinas, que en aquel entonces era una república.

Cosimo no gobernaba Florencia, pues, oficialmente, solo podía tener voto y opinión en las decisiones del gobierno. Sin embargo, su gran carisma y la admiración y respeto que otros le tenían acabó haciendo que, en la práctica, cualquier decisión pasara antes por él. Así que, en realidad, es con él con quien empieza el poder y mandato de los Medici en Florencia.

Fue Cosimo el que construyó la primera gran casa de los Medici en Florencia. El Palazzo Medici Riccardi, realizado por Michelozzo.

El nieto de Cosimo acabaría siendo un personaje fundamental para la historia de Florencia y del Renacimiento. Este nieto fue Lorenzo El Magnífico.

La cúspide de los Medici con Lorenzo El Magnífico

Lorenzo El Magnífico nace en el 1449 y cuando tenía solo 20 años asume el poder y gobierno de Florencia. Que los Medici se hubiesen hecho con el gobierno florentino no gustaba a otras familias, que intentaron en varias ocasiones eliminar el poder mediceo. Lorenzo sufrió uno de los ataques más sonados en contra de los Medici: la conspiración de los Pazzi.

Los Pazzi eran otra familia poderosa de Florencia que ambicionaba el poder. Elaboraron un plan para eliminar a Lorenzo y a su hermano Giuliano a la vez y terminar con los Medici. El plan era enviar asesinos para cada uno, infiltrados, que los acompañarían a misa y, en la Catedral, apuñalarlos.

La conjura acabó con Giuliano pero no con Lorenzo, que tomó duras represalias contra los Pazzi y los asesinos.

Los Pazzi creían que los florentinos celebrarían su revuelta, felices de librarse de los Medici que habían instaurado una oligarquía derrocando la república. Lejos de ello, Florencia se volcó con Lorenzo El Magnífico y su familia. Un acto que asentó mucho más su figura y la de los Medici en Florencia.

Con Lorenzo, Florencia conoció una de sus etapas más gloriosas en lo económico, en lo territorial y, sobre todo, en lo artístico.

Los Medici y el Renacimiento

Quizás Lorenzo El Magnífico sea el mecenas más conocido de todos los tiempos. Los Medici ya habían actuado como tales antes que él con Brunelleschi y Donatello entre otros grandes artistas. Pero Lorenzo llevó esto a un nuevo nivel.

Florencia se convirtió en el centro del arte en Europa. El Magnífico ponía bajo su protección a los mejores artistas y les comisionaba continuamente trabajos para construir monumentos, decorar iglesias… todo para embellecer Florencia.

Además, promovió el estudio y la divulgación del arte. Creando una muestra gratuita de arte antiguo en el Jardín de San Marcos. Ofreciendo su propia colección para la formación de jóvenes talentos.

Lorenzo descubrió a un joven Miguel Ángel y enseguida pasó a ser su mecenas. Muchos genios como Botticelli o da Vinci trabajaron bajo su protección. Pero no había codicia en tener todo el arte para sí sino sincero amor por el arte y su crecimiento. Prueba de ello es que Lorenzo envió a algunos de los mejores talentos a otras ciudades como Roma o Milán para expandir el movimiento. El arte, junto con los filósofos y diplomáticos como Machiavello, fueron sus mejores embajadores.

Un hijo de Lorenzo acabó siendo, además, el Papa Leon X.

Un legado incalculable

Este amor por el arte estuvo antes, con y después de Lorenzo. Sin parar de crear y embellecer Florencia. El legado de los Medici es por tanto incalculable. Muchos de los lugares importantes de los que disfrutamos hoy en Florencia se deben a ellos. Incluso la creación de la Galería Uffizi. Los Medici llegaban a comprar obras y descubrimientos de arte clásico en otras ciudades. Como la Venus de Medici que fue adquirida en Roma.

El Palacio Pitti fue su creación como su residencia oficial. Al igual que los fascinantes Jardines Boboli, el Corredor Vasariano, las Capillas de los Medici…

Pero no sólo en Florencia está su huella sino en el increíble impulso que le dieron al arte y que marcó nuestra cultura para siempre.

La última de los Medici

La familia Medici no siempre gozó del apoyo de los florentinos. Fueron expulsados de la ciudad hasta en 2 ocasiones. Pero siempre acabaron volviendo al poder.

Un poder que acabó en el siglo XVIII con la llegada de los Lorena a Florencia. El último miembro de los Medici fue Ana Maria Luisa de Medici. Una persona clave para nuestra ciudad.

Pues Ana Maria, como buena Medici, amaba la cultura y el arte. Ella era la última de su sangre y, sin descendientes, el final del poder mediceo era claro. También el ascenso de la familia Lorena y que estos tomarían las riendas.

Sin embargo, antes de cederlas, Ana Maria haría algo histórico y decisivo. Su temor era que los Lorena destruyeran el legado artístico que su familia llevaba siglos construyendo. Para evitarlo, hizo firmar a los Lorena un documento en el que se comprometían a conservar y no dañar todo el arte de Florencia.

El llamado Pacto de Familia, dice literalmente que los Lorena no podrán  ‘’llevarse fuera de la capital del Gran Ducado galerías, cuadros, estatuas, bibliotecas, joyas y otras cosas valiosas que reciban como sucesión del Gran Duque (su marido Cosme III) con el objetivo de que las mismas permanezcan propiedad del estado, para la utilidad del público y para atraer la curiosidad de los forasteros.’’

Ana María encarna, de esta forma, un concepto ilustrado que será fundamental para Florencia e Italia: el estudio y conservación del arte desde un punto de vista del rigor científico y el derecho. Los Medici, por tanto, no solo contribuyeron a la creación del Patrimonio florentino sino también a su valorización y transmisión hasta nuestros días.

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Sandro Botticelli: obras en la Galería Uffizi

En aquellas primeras obras, el joven Sandro Botticelli llamó la atención de todo el movimiento artístico y de los grandes mecenas: los Medici. Éstos le encargarían muchísimos trabajos, aunque Botticelli trabajaría para más familias y otros particulares. A lo largo de su vida, el genio pintaría una gran cantidad de obras.

Los lugares en los que se conservan obras de Botticelli en Florencia son muchos pero, si hay uno por excelencia, ese es la Galería Uffizi. Los Uffizi son el museo del mundo con más obras de Sandro Botticelli. Las consideradas como sus mejores obras las encontramos aquí. Algunas no sólo son calificadas como las mejores del artista sino como las mejores de la historia. Éstas son ‘El Nacimiento de Venus’ y ‘La Primavera’.

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Obras de Botticelli en la Galería de la Academia

Obras de Sandro Botticelli están también presentes en la otra galería de Florencia: la Galería de la Academia. Pese a que la mayor parte de su arte en la ciudad se encuentra en los Uffizi, la Academia tiene pocas pinturas del artista pero muy interesantes. Una, una auténtica joya. Hablamos de la Madonna del Mare (‘La Virgen del mar’). Una pintura donde Sandro Botticelli representa a una virgen de mirada perdida, con apenas interacción con su hijo. Algo totalmente diferente a lo visto hasta aquel momento. Al igual que su extraordinaria ‘Virgen con el Niño, dos ángeles y Juan Bautista’

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-«Virgen con el niño y el ángel» en el Hospital de los Inocentes

En la Plaza de la Santissima Annunziata, muy poco después del nacimiento de Botticelli, se inauguró el Hospital de los Inocentes. Este no sería un hospital sino un orfanato, uno de los primeros de Europa. El arquitecto fue Brunelleschi y esta obra está considerada la primera del Renacimiento en cuanto a arquitectura. Con unos 20 años, Botticelli estaría ya plasmando con su talento este movimiento renacentista en la pintura. Y, una de sus primeras obras la realizaría para el Hospital de los Inocentes. Se trata de la pintura llamada ‘Virgen con el niño y ángel’. Esta obra de Botticelli se encuentra todavía en la actualidad en el orfanato.

-«Retrato de una jóven» en Palacio Pitti

Botticelli vivió justo en la época cuando los Medici habían comprado el Palacio Pitti y se estaban realizando sus obras para convertirlo en su residencia. El arquitecto del palacio fue Brunelleschi y, de nuevo, como en el Hospital de los Inocentes, obras de Botticelli decorarían sus paredes.

En la actualidad, allí podemos admirar tres pinturas. Todas ellas de gran interés. Una en concreto, llamada ‘Retrato de una joven’, se cree que podría tratarse de un retrato de la mujer de Lorenzo el Magnífico, uno de los Medici más importantes de la historia de Florencia.

-Frescos en la Basílica de Santa Maria Novella

El talento de Botticelli era conocido en toda Florencia y las familias en el poder no sólo querían su genio para decorar sus viviendas privadas. También lo querían para embellecer Florencia y no sólo con su consejo. Botticelli fue contratado para decorar con dos frescos el interior de la Basílica de Santa María Novella. Uno de ellos representa el nacimiento de Cristo y se conserva en muy buen estado.

La relación de Botticelli con Santa Maria Novella no fue sólo laboral, pues gracias al testamento del genio sabemos que contaba con una casa en el barrio cercano a dicha iglesia. Seguramente, la casa en donde Sandro vivió sus últimos años en Florencia.

-«San Agustín» en la Iglesia de Ognissanti

Otra curiosa casualidad vuelve a ligar Ghirlandaio con Botticelli en Florencia. Esta vez, en la Iglesia de Ognissanti. Los dos artistas fueron contratados para decorar la iglesia con dos frescos en paredes encontradas, uno frente al otro. La obra de Botticelli es una auténtica maravilla que representa a San Agustín.

La iglesia de Ognissanti era también el lugar de entierro de la familia Botticelli, y allí fue enterrado Sandro, donde todavía sigue descansando.

Botticelli: obras e historia de Florencia

-Palazzo Vecchio

Botticelli tuvo mucha relación con este gran monumento de Florencia pero, curiosamente, en él no hay ningún trabajo del artista. En el Palazzo Vecchio, por ejemplo, Botticelli acudió a la reunión donde se decidió que el David de Miguel Ángel se colocaría en la Plaza della Signora.

Aquí también fue llamado a menudo Botticelli por los Medici para encargarle diferentes trabajos. Uno llegó a ser decorar el mismo palacio, en concreto la Sala dei Gigli. Aunque finalmente el artista que llevó a cabo el trabajo fue Domenico Ghirlandaio.

-Un recuerdo en Plaza della Signoria

Durante muchos años, la Plaza della Signoria tuvo el honor de acoger al David de Miguel Ángel que, posteriormente, se trasladó a la Galería de la Academia. Cuando Michelangelo finalizó la escultura, la ciudad de Florencia reunió a un grupo de expertos para decidir donde situar la estatua. Entre estos expertos, estaba el maestro Sandro Botticelli ya en avanzada edad.

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Lo mejor de la Plaza de Santa Croce en Florencia: la Basílica

La estrella de la plaza es la Basílica de Santa Croce. Uno de los mejores ejemplos del Renacimiento y donde descansan los restos de algunos de los grandes artistas de la historia. Personajes tan ilustres como Miguel Ángel, Donatello y Galileo. Dentro, además de mostrarle nuestros respetos a estos genios, podremos deslumbrarnos con una de las iglesias más bellas de Florencia y con frescos de artistas de la talla de Rafael y Brunelleschi.

Rodeando la Plaza de Santa Croce en Florencia hay numerosos palacios de grandes familias históricas de Florencia. Entre ellos el palazzo di Maffeo Barberini, el palazzo Garglolli o el palazzo Borghini. Toda una muestra de la edad dorada de Florencia. Un ejemplo vivo de la cantidad de riqueza y poder que se llegó a juntar en la capital de la Toscana en un mismo período.

Pasado y presente de los eventos en Florencia

La plaza tiene además un papel fundamental en la vida de Florencia. Pues aquí se celebra una de las tradiciones más longevas y famosas de la ciudad: el calcio storico fiorentino. En español: fútbol histórico florentino. Se trata de una celebración típica de Florencia con más de 500 años de historia. Todos los años, 4 equipos de 27 personas (cada uno representa una zona de la ciudad) se disputan el orgullo de su barrio en un deporte que podría definirse como una mezcla de rugby, lucha y fútbol. Un auténtico espectáculo que cada año reúne espectadores de toda Italia y el extranjero.

La Plaza de Santa Croce es el centro de los eventos en Florencia. Pues desde algo tan cultural y tradicional como el calcio storico hasta los conciertos de los mejores grupos actuales tienen su sede aquí. Ello, sumado a su enorme belleza y a la importancia de sus monumentos, hacen de ella un lugar que no hay que dejar de visitar en un viaje a Florencia.

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